billy chan陳焯華
theatre lighting design 劇場燈光設計
Words by others & me
恨嫁. 故友. 情.
撰文︰梁慧珍
信報 文化評論 2014年2月26日
「非常林奕華」2014年首齣劇作《恨嫁家族》, 在葵青劇院連演四場,已圓滿謝幕。
一齣說愛講恨,最後新娘釋放自己的舞台作品。一貫是林奕華的處理,依舊是黃詠詩的手筆。 「我恨故我嫁, 我嫁故我恨」是此劇的宣傳重點，然而，陳焯華的燈光設計和逝去的舞台設計陳友榮，使我看到更多、想得更深。
在今天，舞台上的表演劇目，無論是來自文學經典或原創作品，對我而言，評論林奕華的演出，是一項挑戰。
首先，林奕華是資深導演，在舞台上，有自己風格；在市場上，也抓準觀眾喜好，因而於中港台的演出中，在票房與口碑上，無往而不利。處理上，其劇場化的美學，雖然悅目，但看多了，難免會膩；然而，落幕後，忠誠的觀眾，總可從劇中，緊抱一段由覺醒得來的自我發現，繼而在人生路上，建構更明亮的美景；然後，稍事休息，耐心靜待林奕華下一個新作品，再於劇場內，重新閱讀和整理自己的過去與將來，這般自我洗滌心靈，無止境的自省、反思，恍如癮君子般，要求便愈來愈多。
因此，我就是不相信，本地觀眾每次僅會滿足於舞台上那類近的流程、形式化的處理、熟悉的演員面孔，重複着自行賦予價值和意義的行徑，然後，懷着優越感離開劇場？ 今次，相較於林奕華過去的作品，《恨嫁家族》中有兩項劇場藝術的元素，使我更加認定，一個演出，其團隊協作的可貴性，不僅拉近觀賞者與演員的距離，更使演出圓滿完整，其中一項是舞台設計，另一項則是燈光設計。在那些年當中，我敢說陳友榮既是林奕華的舞台設計師，亦是他的絕佳合作夥伴。兩人在舞台上的磨合、默契、補白，在十一個合作作品中逐漸展露。
舞台設計靈氣生動 陳友榮的舞台設計，靈氣生動、簡約雅致、既具象徵性，涵義亦豐富，如《華麗上班族的生活與生存》的樓梯、《賈寶玉》的那扇倉庫大門、《三國》的課室等……凡此種種，皆是林奕華曾提及陳友榮以「感覺開展舞台」為設計意念的佐證。而我在《恨》劇裏，只看到演員對愛的踐踏、見到角色對自身的殘酷，卻不再如昔日般，感到設計裏的情。 兩性間控制與屈服 失去陳友榮，《恨》劇失去了愛的質感，有所欠缺。儘管場刊內在創作及製作團欄目上，舞台設計是留空了，而導演亦說明《恨》劇的構思源自陳友榮，為了延續舞台設計的精神，他決意不要舞台上出現多餘的東西，因此，多張空椅子，偶或放於台中、後方、左右兩旁；不過，我對這着意處理成顯微鏡的玻璃片，只感到空有外形，不具神韻。
但是，即使如此，舞台上的虛空留白，卻造就了燈光設計的耀眼，陳焯華慘綠的燈光，強化了前度男友參加新娘/舊愛婚禮時，其嫉妒心理狀態，我也替他/她感到難受；而舞台上那粉紅、粉紫色的燈光，卻為三姐與中提琴師這對初相識的男女，譜上一段浪漫戀曲，充分體現了少男少女情竇初開，那份羞澀浪漫情懷，叫人沉醉；至於最使我欣喜的，就是姐妹倆的情緒與燈光色調的特質互相融和，首先是二姐在艷紅的燈光下，透過繩子呈現性事，加上述說感受的處理，激情錐心。同樣地，大姐跟勾引者在肢體上的抗衡，夾雜着強迫、暴力、壓制的愛情，狂野的交合，將愛與恨整個糾纏，精準地展示了在兩性關係中，男性仍是強勢的實際情況。兩性關係上的控制與屈服，全憑這片血紅，兩女性被檢閱了，既展露了戲劇性，亦呈現了姊妹倆對愛存在着強烈的情緒。陳焯華在幾近是空台的布景上，深化個人對詮釋舞台美學的滿足感。 由於沒想過《恨》劇的觀劇感覺是我意料之外，為着這緣故，心中生起疑問，非常林奕華往後的作品，我該是繼續看，還是不再看？抑或是……
從那些懸浮的光條說起 / 從那一抹紅色說起
陳焯華 Billy CHAN
與林奕華導演的合作關係是從 1997年的《愛的教育》開始，之後斷斷續續的直到近年的城市三部曲系列等大劇場製作。而四大名著系列我參與了兩部，分別是《三國》及《紅樓夢》。
林奕華常形容燈光設計就是用光來畫畫的一種美學。他自己的劇場作品風格強烈，早期的那些作品且不太需要一般敍述性的燈光構圖來輔助那些劇場化的舞台調度，而我所採用的手法則是從整體空間來著手，以全景構圖來配合。後期的作品在空間處理上的變化則很大，在這些接續的作品裡我們彷彿找到了一種燈光構圖、佈景空間與戲劇調度的默契，一種你不會在香港其他劇場作品中看到的美學。
要說《三國》跟《紅樓夢》的燈光概念，大概可以從那些懸浮的光條說起。《三國》的舞台空間概念是實在但抽象的。整個佈景空間設計以風洞似的想像建築為主，灰色的單色調為副。巨型風洞佔據了佈景兩旁的牆壁，卻又成為歷史課堂的空間，配合著橫向的光管(日光燈)的冷清色調，充滿了機械時代的氣息。橫向光管在《三國》裡形成了一個矩陣，序幕中的行軍陣式由此發展出來。燈光的另一主題由風洞的扇葉而來，意境卻虛擬地出現在諸葛亮與孫權、劉備的戲中，幻化成桌上背光、轉動的光影，呈現出想像中謀略的氣氛。佈景提供了一個灰牆課堂的戲劇空間、燈光則營造了心理空間: 冷峻的色調、光圈的擴大、機葉的旋動，充滿了荒涼與冷漠。
《紅樓夢》則是另一道風景。懸浮的光條以直線排列，看來就像現代簡約的燈飾一樣。它只出現了一幕，卻引申出戲中其他場景的光的線條，像從陜縫中窺看大觀園一樣。雖然佈景主體仍是一大片空間與高牆，但在所有的窗戶都亮起來後，這個看來像給人們過渡用的臨時空間彷彿變成有機生命體，隨著不同人物的情緒，綻放出橙黃靛青艷紅粉紫等各種色調，為這個現代大觀園定下註腳。台上重重疊疊的光的線條從四方八面射來，呈現的不只是純粹的光與影，卻製造了牢籠，把所有人都困在裡面。在《紅樓夢》裡我感受最深的一幕就是黛玉與寶玉的那場。偌大的空間就只剩下二人，光從紛亂漸變平靜，抽離，再到那一抹紅色。就像是黛玉手中的玫瑰，嬌豔欲滴，最後卻只有腥紅的印記留在寶玉心中。
光的空間，從來不只是純粹的物理空間，它從想像而來，卻同時開拓了美學的、戲劇的、心理的、意境的空間，在真實的時間裡，為觀眾建構出真實的舞台經驗。
“Without light, there is no space”, Robert Wilson 曾如是說。
恨嫁家族 I Hate Therefore I Marry 2014.1.24-26
Design Statement for WSD 2017
Marry or not? I Hate Therefore I Marry is a story about four sisters, their mother, their men and their lacking. Only a pale grey platform onstage. It was a minimal and cruel ground for mourning and respect to the late set designer Ewing CHAN*. This emptiness, with lighting and moods, enhancing the lacking inside the characters even stronger.
Teal reflects the ex-boyfriend’s jealousy. Lavender embodies the innocent romance of the violist and the third sister. The obsessions with the ex and the seducer and their tangly struggles of love and hate sprays the space in bloody red. This red sneaks us into their minds. The light tightens on the big sister like a curse as she is enraged by the ex’s revenge; moments later, she was running wild in the big pool of light to ease her anger, but seems getting lost into the void gradually.
Lighting space isn’t merely physical space. It purifies and sublimates the emotions. The house was recreated by the geometric forms of shadows and lights, but also a metaphor to mentally imprison the characters. Lighting opens up aesthetics, dramatic, psychological and conceptual spaces, wandering around characters and times, and becoming another performing role.
《恨嫁家族》是一道特別的風景。因著佈景設計的從缺*，淺灰色平台成了極簡約的殘酷之地，既是悼念，亦是尊重。場景的「空」，結合燈光與調度，讓人物心靈內無盡之「缺」，被呈現得更透徹、更有力。
深青，加強了前度男友的嫉妒心理；粉紫，體現了三姐與中提琴手的羞澀浪漫；血紅，把二姐與前度、大姐跟勾引者等各自的愛與恨、糾纏、掙扎及肢體上的對抗，灑滿一地。這片血紅，既展露了戲劇性，亦呈現了姊妹倆對愛存在着強烈的情緒。仿若緊箍咒般的聚光圈隨著大姐因前度的報復而對自身發怒，在她身上越收越窄；下一瞬間她卻義無反顧地狂奔在台上的巨型光罩裡，仿佛要把憤怒發洩掉，但人卻愈來愈渺小。
光的空間，從來不僅是光與影。台上重疊的光線重構著大屋房間，它從想像而來，呈現的卻不只是純粹的物理空間，還製造了牢籠，把所有人都困在裡面。舞台上的虛無，造就了燈光在舞台美學上的淨化與昇華。光同時開拓了戲劇、心理、意境的空間，在角色間徘徊，在時空裡遊走，成為另一個表演個體。
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佈景設計師陳友榮於《恨嫁家族》製作期間突然因急病離世，劇組遂決定把舞台留白，作為對 Ewing 的悼念。
心之偵探 This is not a Pipe and I am not Sherlock Holmes 2016.3.1-13
Design Statement for WSD 2017
We are all philosophers, living as ordinary people in our solitude. This is not a Pipe and I am not Sherlock Holmes was inspired by Conan Doyle’s Sherlock Holmes, not about detective stories, but to use Sherlock as metaphor to seek problems we haven't got any answers inside us. Ordinary vs. unique, is well reflected as the key - “There is a relationship called Watson and Holmes.”
A shallow room, looks empty but always packed like a heart. The walls were disintegrated, merged and cut up constantly by lights penetrating in; transforming the space from pry to desire, fear to lonesome; reflecting men’s loneliness in the bustle, anxieties and restlessness of the contemporary common people. Through the flicking hidden red-lights, the atmosphere and our imaginations leap forward, leading us to explore the existence, power, emotions and ego.
Shocked by Moriarty’s leap of death, Sherlock seeing his huge shadow overcast onto the Reichenbach Falls, and realising he can’t refuse the solitude from his genius. In the faint blue light John asked, “what choices do I have but an ordinary?“ Sherlock told him, “you have a choice because you have another name, Conan Doyle.”
我們都是哲學家，各自生活在自己的孤獨裡的普通人。《心之偵探》靈感來自福爾摩斯，卻不是關於偵探的故事，而是嘗試用另一個角度把福爾摩斯當作比喻，看看如何找出跟自己有關的，而又未能找到答案的問題。作品最核心的主題 - 有一種關係叫華生與福爾摩斯，就是平凡與獨特。
舞台上淺而寬大的房間，看似空曠，卻又擠擁得像心房一樣。光線穿透而入，線條把白牆背景切割、分解、融合；空間幻化成窺探、慾望、恐懼、寂寞，勾勒出變幻；映照出人在喧鬧中的孤獨，以及在當代中普通人恆常面對的焦慮與不安。時而閃爍，時而擺動，點點隱藏的紅光更是將空間與想像飛躍向前，引領我們探索關於存在、權力、情感與自我的各種。
最後，面對莫里亞蒂縱身一躍的死亡，福爾摩斯巨大的影子籠罩在萊辛巴赫瀑布中，承受著自己因為生為天才而沒得選擇的孤獨。然後，幽幽的藍光彷佛把我們帶回到了這一切的最初。華生問，我能有甚麼選擇？還不是一個普通人？福爾摩斯告訴華生，你有選擇，因為你還有另一個名字，叫柯南道爾。
梁祝的繼承者們 Art School Musical 2014.5.5-13
Design Statement for WSD 2017
Art School Musical is a modernisation of Chinese classic Butterfly Lovers. Different from traditional musical-theatre and story-telling drama, director Edward Lam stages this love story in a modern art school, through his unique lyric style, searching for ideal, life and eternity in arts. Dressed in aprons, students using different musical forms like duet, quartet or a cappella, to share the beauty of becoming butterflies through arts, and the grief of mourning the dead in museums with audiences.
The canvas-like space resemble an experimental ground for the creative team. Imageries like Google-searching “what’s arts?”; monotone fire-work mourning the sudden-death teacher. White cubes becoming mountains, graveyard or walls. Lighting portrayed emotions in atmosphere or floats on the canvas as the music intensify or glooms. Red in Crush, geometric shapes in Artsy Shit, loneliness in Alone, shadows in Arts School, red contrasting blue in Lovers’ Dispute, gloomy graveyard in …Who I am, breathing lights in Self-Portrait 2, bleak and solitude in Tears in Museum.
The visual imagery, the mise-en-scène and the philosophical lyrics, not only bringing Art School Musical into a profound art lesson, but also transcends its level of humanity connections beyond times.
導演林奕華不拘於傳統音樂劇的框框、故事性劇場方式，用直接而獨特的歌詞，把梁祝這經典愛情故事變成在藝術學院裡對藝術與理想、與人生、與不朽的追尋。梁與祝穿上圍裙，用B-box、二、四及八重奏、無伴奏人聲合唱等音樂方式，來與我們通過藝術而化蝶，同在美術館裡哭墳。
偌大的空間成為創作團隊的實驗場。影像在豎立於台上巨大的畫布中，時而真實時而虛幻，像用Google搜尋”藝術是甚麼”、一閃即逝的煙花伴著猝逝的老師，幽默與感性並容。白立方體聚散組合成畫板、山巒、墓地、矮牆，幻化成梁祝的各種風景。至於燈光，則把情感投射到畫板上、建構於空間中，隨著音樂起伏不斷變化、推進。暗戀的紅、藝術屎的幾何色塊、一個人的空蕩、藝術學校的影子、嗆聲的紅與藍對比、我是誰寂靜的青色墓園、自畫像二紫色的浮光、美術館的窗影與空間、蒼涼與孤寂。
《梁祝的繼承者們》用這個古典愛情故事裡的生生死死，通過哲理性與深意的歌詞、純淨而豐富的音樂、不間斷的調度及肢體動作、以及變化萬千的燈光空間，創造了故事性劇場難以創造的，一種看透人情的感性連繫。這亦是場很深刻的藝術課，更重要的是它針對時代而作的改編與詮釋。把藝術融合愛情，為藝術犧牲。
紅樓夢 WHAT IS SEX? (a play inspired by Dreams of the Red Chamber) 2014.12.26-29
Design Statement for WSD 2017
The vertical light strips in What is Sex?, a re-work theatre piece of Dreams of the Red Chamber, resembling an interior lighting texture, helps to define the space’s modernity. It triggers a visual impact on the lighting language of the play, those strips of light on the walls and floor, like peeking through cracks into the Grandview Garden.
The volume of this transitional space, making up by high walls and voidness, comes alive dramatically when all the windows and doors are being lit. Different characters confessing their anxieties through those orange, cyan, bright red and lavender, bringing definition to these chambers.
Like an enlightenment from a dream, the overlapping and entangling lights onstage not only creating light and shadow, but also leading us to a more open, more self-aware discovery to reflect ourselves.
My heart ache every time I see the scene of Lin Daiyu and Jia Baoyu, the two main characters being left alone after the huge sack of the houses. Silence after chaos, the lights becomes still and solitude, detaching them from the collapsing world outside. Sadly and gradually only the blood red remains, like the blossoming roses in Daiyu’s hands, imprints forever in Baoyu’s mind.
《紅樓夢》懸浮的光條以垂直線排列，看來就像現代簡約的燈飾一樣。它只出現了一幕，卻引申出戲中其他場景的光的線條，像從陜縫中窺看大觀園一樣。
雖然佈景主體仍是一大片空間與高牆，但在所有的窗戶都亮起來後，這個看來像給人們過渡用的臨時空間彷彿變成有機生命體。隨著不同人物的夢境、情緒，綻放出橙黃靛青艷紅粉紫等各種色調，仿佛為這個現代大觀園定下註腳。
台上重重疊疊的光的線條從四方八面射來，呈現的不只是純粹的光與影，而是像夢的啟示一樣，引領我們以更寬容、更自覺的心來觀照自己。
在《紅樓夢》裡我感受最深的一幕就是黛玉與寶玉的那場。偌大的空間就只剩下二人，光從紛亂漸變平靜，抽離，再到那一抹紅色。就像是黛玉手中的玫瑰，嬌豔欲滴，最後卻只有腥紅的印記留在寶玉心中。